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Wir freuen uns, dass wir dieses Jahr zu den Gewinnern des Berliner Projektraumpreises gehören und auch wieder beim diesjährigen European Month of Photography (EMOP) dabei sein werden!
Dieses Jahr mit einer spannenden Ausstellung der beiden Berliner Fotokünstlerinnen Sylvia Henrich und Stefanie Seufert, die im Rahmen der Berlin Art Week 2018 am 27. September um 19 Uhr eröffnet wird. In Zusammenarbeit mit uqbar findet die Ausstellung in beiden Projekträumen statt. Am Tag darauf, am 28. September, ist die offizielle Preisverleihung des Projektraumpreises in der Bar Babette um 19:30 Uhr.
Unser Dank gilt nicht nur der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, sondern auch der Netzwerk Berliner Projekträume und -initiativen e.V., der den Preis initiiert hat und die Verleihung organisiert.
Pressemitteilung: 180920_presse-COPYRIGHTberlin-henrich-seufert_dt

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We are happy to announce that COPYRIGHTberlin is one of the winners of the Project Space Prize by the Berlin Senate and will be part again of the European Month of Photography (EMOP) with an exhibition by Berlin based photo artists Sylvia Henrich and Stefanie Seufert. COPYRIGHTberlin is also part of the Berlin Art Week 2018. The exhibition opens on 27 September, followed by the official award ceremony on 28 September 2018. Incollaboration with uqbar the exhibition will take place at both project spaces.
We would like to thank the Berlin Senate for Culture and Europe and the
Network of Berlin Project Spaces and Initiatives e.V. who initiated this prize and organize the ceremonies.
Press release:
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SYLVIA HENRICH & STEFANIE SEUFERT

Ping ohne Pong – Geste ohne Antwort

Eröffnung Donnerstag, 27. September 2018, um 19:00 Uhr

28. September – 28. Oktober 2018

COPYRIGHTberlin & uqbar
Öffnungszeiten: Fr + So von 15:00-19:00 Uhr und nach Vereinbarung

Towers, Option #2, Atlas Grey, Dark Aubergine, Just Yellow, 2016. Installation view.  © Stefanie Seufert

Towers, Option #2, Atlas Grey, Dark Aubergine, Just Yellow, 2016. Installation view.
© Stefanie Seufert

Dialog der Dysfunktionen

Sylvia Henrich bewegt sich in ihren neueren Arbeiten größtenteils auf digitalem Terrain. Fehlgeleitete und an spezifischen Punkten absichtlich außer Kontrolle gebrachte Computertechnik wird zum bildgestaltenden Medium. Subjektivität trifft Autokorrektur. Bei Stefanie Seuferts Arbeiten geht es um die Freilegung ästhetischer Zeichen aus der realen sowie der virtuellen Welt. Pseudorealitäten – ob aufblasbar oder zeichenhaft wie bei den inflatables oder emojis – werden erahnt oder nachgebildet. Der fotografische Bildträger ist das Material für konzeptuell festgelegte Handlungsabfolgen, die zu einer Verformung und ins Dreidimensionale führen. Beide Künstlerinnen, die das Konzept für die Ausstellung gemeinsam erarbeitet haben, verbindet der experimentelle Umgang mit dem Medium. Die Parameter der Bildentstehung werden verschoben, Funktion und Dysfunktion gegeneinander ausgespielt. Dabei werden ästhetische Entscheidungen gezielt an die Eigenwilligkeit des Materials oder die Algorithmen delegiert. Sinn wird zerlegt, um alternative Deutungsmöglichkeiten ins Spiel zu bringen.

most visual patterns are planned (magic wand), solarized 2018, Piezo Pigment Prints, 2 teilig, Maße variabel, courtesy the artist

most visual patterns are planned (magic wand), solarized
2018, Piezo Pigment Prints, 2 teilig, Maße variabel, © Sylvia Henrich

Ping without Pong—Gesture without Response

Dialogue of Dysfunctions

Sylvia Henrich, Stefanie Seufert

Sylvia Henrich’s new works largely operate on digital terrain. Misdirected or deliberately rendered out of control at specific junctures, computer technology is the medium that generates the image, where subjectivity meets autocorrect. In Stefanie Seufert’s works, aesthetic signs are liberated from the real and the virtual worlds. Pseudo-realities, whether full of air or emblematic, as with inflatables or emojis, are alluded to or depicted outright. The photographic support is the material for conceptually determined sequences of acts that lead to distortion and carry it into the third dimension. The two artists, who developed the exhibition concept together, are connected by an experimental approach to the medium. Parameters of image generation are shifted, function and dysfunction pitted against one another. In the process, aesthetic decisions are purposefully delegated to the idiosyncrasy of the material or to algorithms. Meaning is dissected in order to bring new interpretive possibilities into play.

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Engdaget Legesse

WOVEN MOMENTAUFGABE

Eröffnung Samstag, 9. Juni 2018, um 19:00 Uhr

10. Juni – 1. Juli 2018

Öffnungszeiten: Fr + Sa von 14:30-18:30 Uhr und nach Vereinbarung
Öffnungszeiten zum Ausstellungswochenende der Kolonie Wedding:
Fr., 29. Juni, 14:30-19:30 Uhr, Sa., 30. Juni, 14:30-18:30 Uhr,
So., 1. Juli, 14:00-17:00 Uhr.

Engdaget Legesse, “Woven Natur” (Ausschnitt), 2017, 180 x 160 cm

Engdaget Legesse, “Woven Natur”, 2017, 180 x 160 cm

Engdaget Legesse zeigt neue Arbeiten aus der Serie „Woven“. Farben, Material und Geschichten werden miteinander verwoben, afrikanische und europäische Einflüsse verbinden sich zu Bildobjekten mit einer starken, energetischen Bildsprache.

Legesse, der 1971 in Addis Abeba in Äthiopien geboren wurde und dort als 16-jähriger und damit jüngster Student an der renommierten Fine Arts School (heute: University of Addis Ababa School of Fine Arts and Design) Malerei studierte, kam 1997 erstmals nach Berlin. 1998 führte ihn ein DAAD-Stipendium erneut nach Berlin, weitere Aufenthalte nach Frankreich, Italien, England und in die USA. 2003 erhielt Legesse ein zweites DAAD-Stipendium für ein Jahr an die UDK in Berlin und lebt seitdem als freischaffender Künstler in Berlin – und zwar im Wedding in unmittelbarer Nachbarschaft.

Diese Ausstellung bildet den Auftakt zu einer Ausstellungsreihe mit dem Titel „Von hier“, die hervorragende Positionen von Künstlern und Künstlerinnen zeigt, die hier im Wedding tätig sind.

Engdaget Legesse

WOVEN MOMENTAUFGABE

Opening Sat 9 June 2018 at 7pm

10 June – 1 July 2018

Opening Hours: Fri + Sat 14:30-18:30 and by appointment
Opening Hours Exhibition Week-end Kolonie Wedding:
Fri 29 June 14:30-19:30, Sat 30 June 14:30-18:30,
Sun 1 July 14:00-17:00

Engdaget Legesse shows new works from the series “Woven”. Colors, material and stories are interwoven, African and European influences are combined to create their own energetic imagery.

Legesse, born in 1971 in Addis Ababa, Ethiopia, studied painting as a 16-year-old student at the prestigious Fine Arts School (now University of Addis Ababa School of Fine Arts and Design). In 1997 he first came to Berlin. In 1998 a DAAD scholarship led him to Berlin again but also to France, Italy, England and the USA. In 2003, Legesse received another DAAD scholarship for one year at the UDK (University of Fine Arts) in Berlin and since then lives in Berlin as a freelance artist – right here in the heart of Wedding (part of Berlin).

This exhibition marks the beginning of an exhibition series titled “From Here“ (Von Hier), which shows outstanding positions of artists working here in this part of Berlin.

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Projekträume auf Reisen

Talk mit Ulrich Müller-Schöll, Philosoph
sowie Andreas Wolf, Künstler / Projektleitung TOOLBOX

Freitag, 27.04.2018, um 16:30 Uhr


COPYRIGHTberlin, Schwedenstr. 16 in 13357 Berlin-Wedding
 
Im März/April war COPYRIGHT eingeladen, im Rahmen der Ausstellung „CO/LAB III“ im Torrance Art Museum in Los Angeles in Kooperation mit unserem LA-Partnerraum Dalton Warehouse eine von acht Ausstellungen innerhalb einer Gesamtausstellung zu realisieren (Initiator: Daniel Wiesenfeld).
Bei diesem künstlerischen Austausch zwischen jeweils acht Projekträumen aus Berlin und Los Angeles hat Ulrich Müller-Schöll COPYRIGHT begleitet.
 

Beim Gespräch geht es unter anderem um Fragen, die sich mit der Veränderung des Kunstbegriffs durch die Verbreitung von Projekträumen möglicherweise ergeben sowie der Internationalisierung der Vernetzung.

Wall tape drawing by Patrick Huber, object by Megan Mueller and Sam Scharf, lithographs by Stephanie Guerrero, cyanotype curtain by Ute Lindner, cyanotypes on paper: „Blue Notes“ project by COPYRIGHT, featuring works by LA artists Stephanie Guerrero, Megan Mueller and Sam Scharf. Photo: Emily Blythe Jones.

Wall tape drawing by Patrick Huber, object by Megan Mueller and Sam Scharf, lithographs by Stephanie Guerrero, cyanotype curtain by Ute Lindner,
cyanotypes on paper: „Blue Notes“ project by COPYRIGHT, featuring works by LA artists Stephanie Guerrero, Megan Mueller and Sam Scharf.
Photo: Emily Blythe Jones.

Travelling Project Spaces

Talk with Ulrich Müller-Schöll, philosopher,

and Andreas Wolf, artist and director of TOOLBOX

on Friday 27 April at 16:30
COPYRIGHTberlin, Schwedenstr. 16 in 13357 Berlin-Wedding

In March / April, COPYRIGHTberlin was invited to participate in the exhibition “CO / LAB III” at the Torrance Art Museum in Los Angeles (initiator: Daniel Wiesenfeld). An international artists collaborative project which presents 8 artist-run gallery / spaces in LA partnering with 8 artist-run spaces in Berlin. With our LA-partner Dalton Warhouse we created one of eight curatorial projects. For this event, COPYRIGHT was accompanied by Ulrich Müller-Schöll.

Among other things, the talk will discuss questions if and how the concept of art has changed through the increasing amount of project spaces and the internationalization of networking.

CO/LAB III

A Los Angeles – Berlin Collaboration
Torrance Art Museum
 March 31st – May 18th, 2018

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An international, emerging artists collaborative project which presents 8 artist-run gallery / spaces in LA partnering with 8 artist-run spaces in Berlin – 16 spaces create 8 curatorial projects featuring 76 artists! Participating Artists:

• Monte Vista / Å+: Roman Gysin (B), Daniel Lergon (B), Philip Newcombe (LA), Danny Escalante (LA)
• Dalton Warehouse / COPYRIGHTberlin: Stephanie Rose Guerrero (LA), Patrick Huber (B), Ute Lindner (B), Megan Mueller (LA), Sam Scharf (LA)
• Elevator Mondays / Z/KU: Sasha Bergstrom-Katz (LA), Maura Brewer & Paul Pescador (LA), Cara Chan, Stephanie Deumer (LA), Ann Hirsch (LA),
KUNSTrePUBLIK (B – Matthias Einhoff, Philip Horst, Harry Sachs), Molly Surazhsky, Matt Town (LA)
• Tiger Strikes Asteroid (Los Angeles)/ oMo artspace: Sarah Oh Mock (B), Liz Nurenberg (LA), Bongjun Oh (B), kate-hers RHEE (B)
• PØST / LAGE EGAL: Jofroi Amaral (B), Pierre Granoux (B), Laura Parker (LA), Thomas Prochnow(B), Osvaldo Trujillo (LA), HK Zamani (LA)
• Durden and Ray / HilbertRaum: Juan Arata (B), Nina Lehtonen Braun (B), Gul Cagin (LA), Ellen DeElaine/Mike MacKeldey (B), Dani Dodge (LA), Hannah Van Ginkel (B), Andy Holtin/Samantha Sethi (B), Ben Jackel (LA), Ty Pownell (LA), Daniel Wiesenfeld (B), Valerie Wilcox (LA), Alison Woods (LA)
• ESXLA / SCOTTY: Charlotte Bastian (B), Sigrun Drapatz (B), Kiki Gebauer (B), Simone Haeckel (B), Julia Krewani (B), Karen Linnenkohl (B), Christine Niehoff (B), Ashley Romano (LA), Claudia Schoemig (B), Annette Sonnewend (B), Teresita de la Torre (LA), Linda Weiss (B), Bettina Weiß (B), Juliane Zelwies (B)
• BBQLA / Axel Obiger: Alke Brinkmann (B), Jacquelinne Cingolani (LA), Brock DeBoer (LA), Thilo Droste (B), Juliane Duda (B), Saeed Foroghi (B),Harriet Groß (B), Katrin Hoffert (B), Gabriele Künne (B), Josina von der Linden (B), Meatgrinder (LA), Matthias Moravek (B), Enrico Niemann (B), Mattea Perrotta (LA), Susanne Ring (B), Maja Rohwetter (B), Ammon Rost (LA), Daniel Schubert (LA), Austyn Weiner (LA)

More information on
http://www.torranceartmuseum.com/colab-iii

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Territory
Yvon Chabrowski, Anaïs Héraud-Louisadat

26. März – 27. Mai 2018

Uqbar & COPYRIGHTberlin

Grafik: Yvon Chabrowski, Svend Smital

Grafik: Yvon Chabrowski, Svend Smital

Yvon Chabrowski, "Territory", Videoinstallation

Yvon Chabrowski, “Territory”, Videoinstallation

 

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Wie positioniere ich mich als Einzelperson innerhalb der konstruierten Grenzen unserer Gesellschaft und welchen Einfluss hat meine Eigenpositionierung wiederum auf diese Grenzen? Dieser Frage widmen sich Yvon Chabrowski und Anaïs Héraud-Louisadat in der von Kira Dell kuratierten Ausstellung Territory, die parallel in den Projekträumen uqbar und COPYRIGHTberlin stattfindet. Im Fokus der Künstlerinnen stehen sowohl die Grenzen von ortsgebundenen Territorien, als auch diejenigen des persönlichen Raums – die Umrisse individueller Komfortzonen.

Yvon Chabrowskis auf den Boden projizierte Zwei-Kanal Video-Installation Territory (2016) fordert das Publikum sofort zu einer Selbst-Positionierung auf. Die Körper einer sich formierenden Menschenmasse sind in Bewegung. Sie schmiegen sich aneinander, klettern übereinander. Es sind abwechselnd angestrengte, aber auch ruhende Gesichter zu erkennen. Chabrowski erschafft ein künstliches Territorium, dessen Grenzlinien vom Kamerarahmen definiert werden. Die Künstlerin gibt ihren Protagonist*innen nur eine einzige Anweisung: „Nehmt euren Platz ein.“ Dies könnte friedlich ablaufen, stattdessen umkämpfen die Personen angestrengt die Freiräume der temporären Gesellschaft. Grenzstreitigkeiten werden auf der Ebene der einzelnen Individuen ausgetragen. Es stellt sich die Frage nach den räumlichen, aber auch emotionalen Grenzlinien des eigenen Komfortbereichs. Chabrowski hinterfragt dabei in ihren Arbeiten stets auch die Konstruiertheit von medialen Bildern. Sie reduziert sie auf ihre basalen Bildformeln, um ihre Zeichen dekontextualisiert mit Performer*innen neu zu verknüpfen.

Videoarbeit von Yvon Chabrowski, Foto: Ute Lindner

Videoarbeit von Yvon Chabrowski, Foto: Ute Lindner

Auch Anaïs Héraud-Louisadat verhandelt in ihren Arbeiten kollektive und individuelle Territorialkämpfe. Immer wieder stellt sich die Frage nach dem Handeln des Einzelnen innerhalb einer Gesellschaft, die Schwachstellen aufweist, ausgrenzt und ihre errichteten Grenzen nicht zu genüge hinterfragt. Im Zentrum ihrer eigens für die Ausstellung produzierten performativen Installation stehen Daniel Dafoes Roman Robinson Crusoe (1719) und seine zahlreichen Nachfolgeversionen, die sogenannten Robinsonnaden. Héraud-Louisadat widmet sich zudem Werken, die das literarische Motiv nutzten, um antikoloniale und feministische Statements zu formulieren (Tournier, King Green, Coetzee). Sie versteht ihre Auseinandersetzung mit dem Motiv als Fortsetzung ihrer künstlerischen Recherche zu kolonialen Narrativen und damit zu zahlreichen Formen der Verletzungen und Übertretungen von individuellen und kollektiven Territorien.

Arbeit von Anaïs Héraud-Louisadat, Foto: Ute Lindner

Arbeit von Anaïs Héraud-Louisadat, Foto: Ute Lindner

 

Zwei Workshops, basierend auf den Methoden des brasilianischen Theaterregisseur Augusto Boal, ergänzen die Ausstellung räumlich und inhaltlich. Diese finden in Kooperation mit der Theaterwerkstatt Kuringa statt. Beide Künstlerinnen erweitern stetig ihre künstlerische Praxis durch die Methode des Statuentheaters Boals, welche sie zur ästhetischen Erforschung von Unterdrückung innerhalb der Territorien unserer Gesellschaft nutzen. Die in den Workshops erarbeiteten Performances beider Künstlerinnen werden zur Finissage gezeigt.

Kuratiert von Kira Dell.
In Kooperation mit uqbar, COPYRIGHTberlin und Kuringa.
Siehe auch: http://projectspace.uqbar-ev.de

Öffnungszeiten: Freitags und samstags, 14.30-18.30 Uhr, und nach Vereinbarung

Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa.

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Aufzeichnung der Performance von Anaïs Héraud-Louisadat, uqbar, Foto: Ute Lindner

Aufzeichnung der Performance von Anaïs Héraud-Louisadat, uqbar, Foto: Ute Lindner

Territory
Yvon Chabrowski, Anaïs Héraud-Louisadat
March 26 – May 27 2018
Opening: 25 March 2018, 4 p.m.

Uqbar & COPYRIGHTberlin

How do I position myself as an individual person within our society’s constructed boundaries and what influence does my self-positioning have on those same boundaries? It’s this question that artists Yvon Chabrowski and Anaïs Héraud-Louisadat are adressing in the exhibition Territory, curated by Kira Dell, and on show at the project spaces uqbar and COPYRIGHTberlin. The artists are focusing on the drawn boundaries of global territories as well as the boundaries of personal space – the outlines/contours of our individual comfort zones.

Yvon Chabrowski’s two-channel video installation Territory (2016) is projected onto the floor and demands an immediate self-positioning from the audience. The bodies of one self forming mass of people come together and are constantly moving. They are clinging together and climbing over one another. It alternates between faces that are pained, and those that are resting. Chabrowski creates an artificial territory. Its boundaries are defined by the frame of the camera. The artist gives her performers just one instruction: “Take your space”. This could happen peacefully but instead the protagonists fight for their freedom within the temporary society. Battles over boundaries are fought on an individual level, while the question of spatial and emotional boundaries of the personal comfort zone also arises. In her work Chabrowski also questions the construction of media images. She reduces them to basic image-formulas to create new ties among their decontextualized signs with the help of her performers.

Arbeit von Anaïs Héraud-Louisadat (Detail Transferzeichnung), Foto: Ute Lindner

Arbeit von Anaïs Héraud-Louisadat (Detail Transferzeichnung), Foto: Ute Lindner

Anaïs Héraud-Louisadat’s practice also revolves around the topic of collective and individual territorial fights. Time and time again she poses the question of the individual’s actions within a societal setting that has many weak spots, is exclusive, and does not scrutinize its own constructed boundaries sufficiently. The centre of her focus for this exhibition produced performative installation is Daniel Dafoe’s novel Robinson Crusoe (1719), as well as its multiple follow-up versions, the so-called Robinsonades. Héraud-Louisadat also focuses on novels, which work with the literary motive to enunciate anticolonial and feminist statements (Tournier, King Green, Coetzee). She sees the motive’s examination as a continuation of her artistic research on colonial narratives and the multiple violations and crossing of collective and individual territories that come along with it.

Two workshops, based on the Brazilian theatre director Augusto Boal’s methods, replenish the exhibition both in terms of space and content. The workshops are a cooperation with the theatre project space KURINGA. Both artists constantly expand their artistic practice through Boal’s image and statue theatre method which they use to aesthetically explore oppression within the territories of our society. The performances that will evolve during the workshops will be presented at the finnissage.

Curated by Kira Dell.
In cooperation with uqbar, COPYRIGHTberlin and Kuringa.
See also: http://projectspace.uqbar-ev.de

Opening hours: Friday and Saturday, 2.30 – 6.30 p.m., or by appointment

Supported by the Berlin Senate Department for Culture and Europe.

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